Entre los tópicos comentarios que se pueden escuchar una y otra vez sobre el audiovisual español, además de que todo son meretrices y glándulas mamarias, es el enchufismo irreparable de todo el sector. Como todo tópico, tiene su base justificada, pero también su actitud lamentable, aunque mejor lo dice aquí.
Pero el proyecto del que hablo en esta entrada se aparta de esa mediocridad y lamentación por no encontrar producción alguna y decide moverse por sí mismo con una iniciativa que pocas veces parece mostrarse en la juventud de estos lares. Aprovechando la capacidad y libertad de difusión que sólo permite Internet, y con la bandera del “copyleft” (creative commons) como punto a favor y muestra del cambio respecto a los limitados principios que manejan el audiovisual clásico.
El Cosmonauta es un proyecto de largometraje que, como en su propio blog del proyecto dice <<utiliza Internet para su financiación y distribución. Una película de ciencia ficción producida por tí y por muchos más. Bajo licencias abiertas Creative Commons para que la edites, copies, remezcles y distribuyas como tú quieras. Gratis.>>
Recientemente han comenzado su diario de rodaje, donde podremos seguir el avance de este prometedor proyecto y cómo van superando las dificultades que les va a conllevar a todo el equipo implicado. Dirigido por Nicolás Alcalá, con la producción de Riot Cinema Collective, los implicados en el proyecto han conseguido el apoyo de asociaciones científica, la Universidad Complutense de Madrid, antiguos cosmonautas y más.
La premisa del largometraje se resume en tres frases: “Lo que se tuvo y se perdió. Lo que se tiene y sin embargo aterroriza perder. Lo que nunca se tuvo y sin embargo se añora” La sinopsis del argumento que girará en torno a esa premisa se resume así: <En 1973, el primer cosmonauta ruso en la Luna no consigue regresar, y se le dá por perdido en el espacio. Él, sin embargo, a través de fantasmales mensajes de radio, clama haber vuelto a la Tierra y haberla encontrado vacía, sin un alma. Su irreal presencia y su voz irán destruyendo poco a poco el mundo de sus seres queridos.>>
Las influencias que se ven en el proyecto dan más esperanzas en sentido artístico en comparación con lo que, por algún extraño motivo, nos suele tener acostumbrados aquellos que deciden embarcarse en un proyecto independiente y tienen el ímpetu para poner a funcionar la cámara en algo ambicioso. En vez basarse en Tarantino, Eastwood o Scorsese (que no es que no tengan arte), e intentar imitar las formas más cercanas al cine hollywoodiense (con todo el desastre en que eso suele desembocar), el proyecto se apoya en la visión de cineastas de la esfera del cine de autor más relativamente contemporáneo como Tarkovsky, Reygadas, Albert Serra o Wong-Kar Wai.
El Cosmonauta había comenzado como un cortometraje, pero han decidido embarcarse en un largo por el aumento en capacidad de producción que han alcanzado; además de potenciar su papel de obra de distribución libre y, en general, ser más ambiciosos en un proyecto nuevo, pionero y que, esperemos, ejemplar para los siguientes, del mundo audiovisual español. Para quien quiera conocer más detalles de todo el proyecto, en esta página tiene todo el dossier de la película y el guion. Dejo como final el primer vídeo de ese diario de rodaje.
La libertad que da Internet para expresarse (a aquellos que tienen acceso) ha permitido ver los comentarios de la gente a las noticias y la actualidad, a expresarse en sus blogs… y todas las expresiones manidas de maneras de comunicarse a través de la red. Realmente lo que se forma es un conjunto monumental de morralla en la que cada vez es más difícil encontrar opiniones que merezcan la pena, e incluso aquellas que directamente no den vergüenza ajena. Hasta encontrar un oasis de criterio pueden pasar arduas temporadas de búsqueda, y después esperar que se mantenga o no se meta nadie a destrozarlo.
Pero a veces da gusto encontrarse pequeñas joyas que sólo pueden producirse gracias a la difusión de Internet y que van más allá de la mera broma o el acierto puntual, que consigan mantener el nivel y mérito durante todo lo que decidan alargarlo. Más sorprende cuando toma la forma de vídeo y no cae en el desastre, sino que consigue hacer atender a un discurso apoyado en imágenes puntuales introducidas de manera idónea a través de un orador que, para amateur, mucho puede enseñar. Este es, Repronto (o Raúl Minchinela).
Este blog, o video blog, o como prefieran llamarlo, lleva casi dos años y ha publicado 24 capítulos, lo que es una frecuencia aproximadamente mensual, acaban de terminar la segunda temporada. Entre los diversos temas que han tratado se encuentra el arte moderno, cierto cine, el sentido de la navidad o, uno de los últimos, el botellón. Aunque siempre encuadrado en los dilemas que nos ofrece la cultura audiovisual contemporánea, como bien se introduce la página. Pero la reflexión de Repronto atraviesa más temas que el fijado en el capítulo. La declaración de intenciones e introducción al tema que acompaña al vídeo ofrecen un adelanto del discurso que alcanzará aspectos y referencias ocurrentes, inesperados y acertados.
Las reflexiones de Repronto pueden discutirse, como reflexiones personales que son, pero a pesar de la discrepancia que surja, sigue siendo un placer escuchar un discurso construido de una manera que pocas veces podemos ver en Internet, y que lo colocan como uno de los blogs más interesantes y relevantes de la red hispana. El formato simple es aprovechado al máximo y las conexiones entre texto e imagen se realizan con la misma sencillez genial. Pero el discurso, a pesar de lo accesible tanto por capacidad oratoria de Repronto como por construcción ejemplar, está lejos de la simpleza y los argumentos se suceden unos a otros con tal fluidez pero imprevisibilidad que sospechas de esas uniones pero, al final, deja una conclusión que, por lo ingenioso y bien justificado, no se puede negar sin verse intimidado e incapaz de devolver equiparable exposición.
Temas que despiertan curiosidad por lo atrevido, lo interesante o lo sospechoso. Repronto nos dará la conferencia envuelta en un estilo retro desde un recurrente sótano de villano. El humor, un ligero sarcasmo, la reflexión filosófica asequible y la cultura popular como motivo, se juntan en unos capítulos que se hacen imprescindibles para toda persona con un mínimo de inquietud y criterio, y que dan gusto escuchar entre toda la marabunta de opinistas toscos y bárbaros que suelen pulular por ahí, entre los que me incluyo.
El Círculo de Bellas Artes de Madrid inicia un nuevo ciclo cinematográfico, esta vez en un homenaje al cine clásico. Con motivo del 100 aniversario de Joseph L.Mankiewicz, entre el 21 y el 30 de abril, podremos asistir en diferentes sesiones a cinco de sus películas más representativas.
El último ciclo, que se ha realizado durante todo el mes de abril, fue dedicado, como es lógico por la reciente “Los abrazos rotos”, a Pedro Almodóvar. En su película más famosa y que, como todos sabemos, le dio el Óscar, “Todo sobre mi madre”, hacía cita directa a una de las mejores obras de esta figura del cine clásico “Eva al desnudo”.
Se le ha destacado por la capacidad para sus adaptaciones literarias y la habilidad para cargar los diálogos de dobles sentidos y naturalidad al servicio de una historia ensamblada a la perfección. Su dirección fue reconocida por la elegancia en la puesta en escena y, especialmente, su dirección de actores. Este ciclo es de obligado visionado para todo aspirante y, por supuesto, buen amante del cine, pues pocas veces se puede asistir a un gran clásico de la época dorada de Hollywood en la verdadera pantalla grande.
Mankiewicz, que murió con 83 años en febrero de 1993, fue uno de los guionistas más reconocidos en Hollywood, que en su primera etapa escribió guiones de grandes clásicos como “Alicia en el País de las maravillas” . Al pasar a la MGM, colaboró con Fritz Lang en “Furia” o George Cukor en “Historias de Filadelfia”. Su trabajo como productor, además de guionista, ya le valió alguna nominación. Después, cuando ve que en la Metro no le dejan dirigir sus propias películas, pasa a trabajar para la Fox.
En esta productora comienza como director, casi por accidente, con la película “El Castillo de Dragonwyck”,que él producía pero que iba a dirigir, en un principio, Ernst Lubitsch, quien no pudo a causa de una enfermedad. A raíz de ella, Mankiewicz dirigió y escribió el guión de películas imprescindibles del cine clásico. Premiado por “Carta a tres esposas”, reconocido con “Eva al desnudo”, su carrera se detuvo cuando decidió participar en el futuro fracaso de “Cleopatra”. La depresión tras esa película le dejó años inactivo y con fuerza para una última obra, “La huella”.
El Círculo de Bellas Artes, en la Calle de Alcalá, realizará el ciclo como nos tiene acostumbrados: tres sesiones, sobre las 17:00, 19:00 y 22:30. El precio, 4 euros de entrada normal, 2′40 de reducida. Los días donde más se concentran las proyecciones son el 27, 28 y 29; aquí pueden ver el calendario completo, donde, si se fijan, podrán ver que el mismo sábado 25 hay otra película de culto, del director Mario Bava, nada mas y nada menos que “La máscara del demonio”
Por fin, tras casi un año de espera y un pequeño retraso (se esperaba para el 31 de marzo), uno de los juegos más destacables, sino el que más, del año 2008, se lanza para el PC. Braid es prácticamente un juego de obligada compra en el Xbox Live Arcade, de la Xbox 360, y el mayor éxito en descargas junto con Castle Crashers. Bastantes usuarios, entre los que me incluyo, de las contadas veces que han recurrido al Bazar, una ha sido para este juego. Ahora, los usuarios de PC tienen la posibilidad de disfrutar, aunque con unos requisitos que han pillado a todos desprevenidos, de una de las obras más destacadas del pasado año, aqui un link de descarga a la demo, para comprobar cómo les funcionará y hacerse una ligera idea de la mecánica. Los que utilicen un Mac tienen otra versión en camino, pero la espera es indeterminada.
Braid es, desde un punto de vista totalmente personal, aunque no tan lejos de la objetividad, el mejor juego del año pasado, y uno de los pocos en la actualidad que se merece un verdadero elogio y puesto histórico, e incluso un poco más allá del mundo videojueguil. A simple vista, Braid es un juego prometedor, visualmente preciosista (aunque por gustos discutible), banda sonora idónea, una mecánica bien pensada, un espíritu arcade lejano pero con motivo de puzzle. Todo eso lo confirma, pero conforme se avanza en el juego, hasta el broche final, lleva toda esa superficie visual y jugable más allá, profundiza y da un significado que está lejos de la absoluta mayoría de juegos que hay por ahí, e incluso logra más que piezas contemporáneas de otras esferas. Un vídeo (en inglés), explicado por el propio desarrollador, Jonathan Blow, en una de las fases de desarrollo del juego, deja bastante claro la idea inicial de Braid.
Durante todo el desarrollo del juego, que, por lástima, es breve, aunque no escaso, avanzamos a través de puzzles de una complejidad creciente, donde la modificación del tiempo es hasta tal punto enfermiza que uno la llega a echar en falta al apagar la consola. El pique clásico por conseguir piezas de puzzle, básico principio coleccionista de los videojuegos para seguir adelante, va acompañado de una serie de textos que no parecen seguir una historia lineal, o cuyas elipsis son imposibles de seguir, pero que su relación con la propia jugabilidad está ahí, pero sin interrumpirla. La fragmentación con una progresión también estética de los mundos que atravesamos da la impresión de dirigirse hacia un punto, más allá de esa búsqueda de la princesa referencial. Cuando llegamos al final del juego, al nivel final, Braid nos hecha a la cara uno de los giros de guión más increíbles que se han podido ver, que aúna narración, jugabilidad y, sobretodo, genialidad. Después, tras el aturdimiento indescriptible, nos deja en un epílogo, jugable (y con profundización voluntaria), que reinterpreta de la manera más inesperada absolutamente todo lo que hemos estado jugando anteriormente, a la vez que su propia mecánica.
Braid es probablemente el único videojuego cuya historia contiene verdadera complejidad y que ha prescindido de hacer un burdo y lamentable intento historia hollywoodiense. Aunque hay juegos que tienen una historia realmente admirable, bien por su simpleza, belleza o integración con la experiencia de juego, Braid es el que ha ido más allá. Desvelar la verdadera historia sería, en este caso, un fallo garrafal, y se está obligado a hablar de algo que no parece tan significativo hasta el final mismo, algo de reflexión personal, y una maduración del recuerdo. Pero siendo breves, ésta no sólo sorprende, conmueve, deja que pensar y está bien narrada; es que es inherente a la propia jugabilidad y a través de ella se explica, y viceversa, pasando a formar parte de un mismo mensaje; por fin. Muchas veces se habla, generalmente por gente de otras partes que van al dinero, de los videojuegos destacando su interactividad con la historia y que cada jugador obtiene experiencias diferentes; esta idea ha dado una cantidad de tonterías y despropósitos innumerable, pero, eso sí, entretenidos (que no siempre). Pero, pensando un poco y viendo la absoluta mayoría de juegos con intención de historia, cada cosa va por su lado y ni hay experiencias ni hay relato, hay cinemática y mecánica, pero siquiera motivación, enlazo a este artículo dedicado al respecto.
De lo que he estado hablando es solo uno de los motivos por los que Braid supone una pequeña ruptura con la tendencia general de los videojuegos. Enumero otros cuantos que, si se es rebuscado, también se puede hacer símil con otros espectáculos que cambiaron mucho tras algo aproximadamente similar:
Es un juego hecho al margen de la industria que después ha sido un éxito a través de la distribución en grandes plataformas.
Autoría, ideado por una sola persona, Jonathan Blow, que recurrió a un grafista y músico para el aspecto externo. Visitando su blog del juego, podemos ver que es una persona con más cabeza que la mayoría de desarrolladores, que teoriza sobre el propio videojuego en profundidad suficiente como para obtener algo sustancial. En entrevistas pone cosas en claro que parece que el resto ignoran.
Unir la historia y narrativa y la presentación formal hasta el punto de yuxtaponer una con otra y conducirlas al mismo fin.
Referencias y citas a otros videojuegos, como guiño, como reconocimiento de historia y como elemento narrativo y propio del juego. Asimismo, referencias a elementos externos no relacionados con ellos, que le dan una nueva interpretación.
Creación de un concepto, que siempre es discutible, que ha llamado meaningful gameplay y que es una nueva forma de afrontar la interactividad.
Etc. (hay que jugarlo)
Aunque el entusiasmo es precipitado, Braid es la incursión de un juego más propio de desarrolladores independientes que, por suerte ha llegado a más gente de lo esperado pero que puede iniciar una mínima tendencia. No arriesgo y digo que probablemente se quede en nada; no defenderé ( y por largo tiempo deduzco que tampoco tendré que hacer) la tontuna de que los videojuegos son arte, pero sí, con poca duda, que Braid es uno de los pocos que más se ha acercado. Ojalá se convierta en precursor y no en excelencia esporádica.
La mediatizada vida y muerte de Jade Goody; el pasado 22 de marzo se alcanzó el clímax del drama más representativo de la realidad ficcionada que se empecinan en continuar los medios. La morbosidad mórbida de la gente ávida de cotilleo que, por no disponerlo en su hábitat cercano (porque, quizás, cada uno espere encontrarlo en su pantalla aislada, y ahí se quedan) están espectantes a las historias de figuras mediáticas que, por eso mismo, son inalcanzables y su observación marujil poco les afecta, mas que a su cartera. Esto último es motivo principal de que gente salida de Dios sabe dónde decida sacrificar su privacidad en busca de un culto a su personalidad en clave fascistoide-democrática, de inherente incoherencia, efectivamente. Estas figuras surgen con ímpetu desproporcionado y se hunden y desaparecen de manera imperceptible por la sombra de otras nuevas. Pero Jade Goody es una excepción fundada en una escala aumentada hasta el esperpento, que no lo es por la susceptibilidad de los afectados por el intimísimo contacto catódico. Por ahora, la figura ha desaparecido en físico y con un espectáculo del fúnebre que, al menos, algo de hito tiene, y de cinismo subyacente e inconsciente también; pero al eco de la imagen todavía le quedará para largo.
Los hijos de Jade probablemente tengan que vivir con una imagen mediática icónica a cuestas durante buena parte de su vida, además de ya tener bien marcada infancia con una madre que compartía su íntima muerte con miles de espectadores; además, también, de tener más hermanos que nadie, tendrán una muy indirecta deuda con todos ellos, pues para su manutención futura iban destinados los millones que ganaba la madre. Probablemente su intimidad sea buena moneda de cambio. De maternidades también va la cosa cuando se comprueba la buena lactancia que han recibido los medios poco adultos, que gordos quedan y gordos querrán mantener.
Y es que de principios periodísticos se puede hablar, por su capoteo vistoso y ejemplar, por su existencia mitológica o por su desconocimiento desesperanzador. Pero consultando los principios deontológicos de la FAPE, podemos encontrarnos conque, en realidad, se han cumplido en buena parte, pues, el artículo dos ya dice que lo primero es el respeto a la verdad. Lo de Jade es, precisamente, una oda a la verdad; el reality hombre, y además, informativo. Pero cojamos el artículo 4, bien específico:
Sin perjuicio de proteger el derecho de los ciudadanos a estar informados, el periodista respetara el derecho de las personas a su propia intimidad e imagen, teniendo presente que:
Solo la defensa del interés público justifica las intromisiones o indagaciones sobre la vida privada de una persona sin su previo consentimiento.
En el tratamiento informativo de los asuntos en que medien elementos de dolor o aflicción en las personas afectadas, el periodista evitará la intromisión gratuita y las especulaciones innecesarias sobre sus sentimientos y circunstancias.
Las restricciones sobre intromisiones en la intimidad deberán observarse con especial cuidado cuando se trate de personas ingresadas en Centros hospitalarios o en instituciones similares.
Se prestará especial atención al tratamiento de asuntos que afecten a la infancia y a la juventud y se respetará el derecho a la intimidad de los menores.
Primer punto, probablemente el interés público nunca llegó a justificar en tal medida la incursión en la intimidad de una persona que, además, se ofrecía voluntaria. Segundo, de gratuito poco, pues buen dinero hubo en la venta del sentimiento, y gratuito de moral tampoco, que era de interés público; y ni hablar de especulaciones, que Goody ofrecía certezas en abundancia. Tercer punto, irrelevante, era escenografía exigida por la historia. Cuarto, bueno, en ese todavía nos queda por ver hasta donde quieren llegar los caníbales del cotilleo globalizado.
La culpa de este desmadre vergonzoso de venta de la vida y muerte de una joven a través de los medios, y de todos, es, también, de los medios, y de todos. El trueque de trasfondo maternalista no fue más que un golpe de suerte para los involucrados, y detonante del espectáculo horrendo que vieron los observadores ajenos. No es poner la buena intención de Jade Goody en duda, pues es relativamente inteligente por su parte; el problema son los productos derivados con toda la mala intención por la otra parte contratante.
Quien no hubiera seguido la vida de la mujer en los panfletos episódicos, se encontraba, así repentino y así dicho, que una chica del Gran Hermano británico tenía un cáncer incurable y que, para pagar el futuro de sus hijos, decidió vender a los medios su renqueo y muerte. Para sinopsis de blockbuster es llamativo, visto en frío es deforme, como producto de la sociedad, es representativo.
El debate sobre la ética del periodista al inmiscuirse de tal manera en la vida de las personas ha dado, y seguirá dando, para largo. En este último caso se ha llevado hasta el final de la vida de la persona misma. Lo siguiente irá a más y a tal magnitud que es difícil imaginar qué espectáculo de mal gusto será ofrecido. Pero el problema es cosa de dos.
Los medios, con lo genérico del término, tienen una responsabilidad que, desde luego conocen, pero olvidan o, más bien, eluden sistemáticamente. Despreocupados por las repercusiones de diversa envergardura, ámbito y abstracción, que tengan los contenidos que, más que emitir, pregonan, incluída la información. Y del pregón discernido se está pasando al pregón informativo, donde la ficción burda es real y la realidad burda ficción, o al revés, o lo mismo, al menos en las pantallas, y a saber si para algunos en su vida cotidiana. Lo bueno, pues que es rentable, y la tele y comunicación es cara, y desde luego sus responsables muchas cosas menos filántropos. Quienes lo intentan cambiar desde dentro, pues eso, lo intentan, que no es poco, pero que normalmente queda en nada. Van probando productos cada vez más fuertes y mezclados que emitir, como el de Jade (relativamente), y ven que gustan. Conque, antes que cambiar, porque, también, ven que eso, quizás, no es adecuado pero, hace ganar y crecer y en eso consiste. Así que, siguen, a ver qué pasa. Hay otros que evitan tales prácticas, pero poco caso reciben.
El público, aunque no son pocos los que se quejen, más son los que no dicen nada y se quedan mirando lo que le echan. Más que negación es abstención, pero los votos valen para que el espectáculo sigue adelante; la democracia televesiva a través del indicador de audiencia es bastante paradójica, porque los que disienten, si ya son presupuesta minoría, no tienen manera de quejarse más que dejando que ver, y al final sólo quedan los que no se quejan y tragan lo que sea, que total, más entretenido que otras cosas les debe resultar, en mayoría; y así quedan los que quedan, y todo como siempre, pero a más.
Todo, en el fondo, es un bucle absurdo y creciente, como el del Señor Bucle. Siguiendo el símil, de momento estamos con el bucle ya acelaradillo; cabe esperar que la cosa vaya a más, hasta que la tontuna sea perceptible por todos y la cosa ya canse y pasemos a lo que realmente lleva a algo útil, que es reírse (de nosotros mismos por seguir la tontería) y ver la siguiente broma, o cambiar a cosas serias. Dicho así suena a “tiempo al tiempo”, con fuerte apatía y/o resignación. Lo que ocurre es que todos estamos con la tontuna, unos haciéndose pasar por tontos y otros, qué le vamos a hacer, tontos en sí; a ver quienes se dejan de hacer el tonto y se dedica a dar las primera collejas que nos saquen del bucle, y eso depende tanto de comunicadores como público.
Este fin de semana, en Madrid, el viernes 27, pudiendo enlazar con la Noche de los Teatros, actúa Mr. Oizo en el lugar habitual para este estilo de música, el club Low. Como había adelantado en una entrada anterior, y aprovechando esta actuación, hago un resumen de toda la movida de este discográfica a la que él pertenece.
Ed Banger es un sello discográfico que surgió en 2002 como una división de Headbangers Entertainment. Es gestionado por Pedro Winter, conocido como Busy P, que también edita a través de él sus propios temas. Éste personaje, si ya había hecho de manager de nada más y nada menos que Daft Punk entre 1996 y 2008, ahora ha concentrado alrededor de su sello no ya gran parte de la movida musical electrónica francesa y europea, sino que ha dado a conocer uno de los grupos más exitosos que ha trascendido más allá de las esferas del electro francés: Justice. Pero vamos a hacer una breve presentación del resto de artistas apadrinados por esta joven discográfica, que sirven también para introducirse en el resto de la actualidad musical electrónica europea.
El miembro de más reciente actualidad, no ya por el concierto mencionado, sino por haber sacado hace pocos días su último disco: Lambs Anger. En la portada del susodicho vemos una imitación de la famosa escena de la película de Buñuel, pero ejercida en un peluche muy conocido en su día. Les sonará del tema Flat Beat, utilizado en una antigua campaña de Levi’s . Después editó dos discos: Analog Worms Attack en 1999, y Moustache (Half a Scissor), en 2005. En ambos se puede distinguir un estilo caracterizado por una línea de bajo burlona y una descolocación del sample a lo largo de melodías fragmentadas. Su largometraje, firmado con su nombre real, Quentin Dupieux, Steak, fue estrenado en 2007. La banda sonora fue publicada en Ed Banger y desde entonces comenzó a publicar en él sus nuevos LP’s y remixes, y por último el mencionado Lambs Anger.
EL fundador del sello no tiene ningún álbum completo todavía, pero los, aún así, escasos temas que ha sacado, como Rainbow Man o Chop Suey han tenido un verdadero éxito, en su ámbito. Pero no se le va a quitar la importancia a Pedro Winter como el acumulador de talentos y estética que es, además de ser capaz de organizar unas fiestas propias de exageración cinematográfica tanto como “manager” como Dj.
Tampoco dispone de álbum completo, pero está finalizando su producción. De momento, su Theme from Vicarious Blissha recorrido multitud de sesiones de otros DJ. Él y sus reconocidos remixes, por su parte, se han hecho muy conocidos en la escena electro y se hace imprescindible acudir a una de sus sesiones a quien se le preste la oportunidad y se mueva en este estilo.
Voy a remitirme a mi entrada anterior, y no explayarme más en esta polémica chica que hace un no-rap mezclado con electro; que levanta tantos amores como odios y que se le pueden achacar muchas cosas menos preocupación por esas críticas.
Compañero musical de Uffie, participa también en el sello BPitch Control. Su estilo está, lógicamente, cercano al electro, pero más festivo y vacilón, juntado con un ligero house descerebrado.
Su primer álbum fue The Story of Espion, en 2002, fuera de Ed banger, con los esquemas clásicos del rap impregnados de influencias del reggae, el jazz y el rock. Empezó a juntarse con Busy P para hacer mezclas entre géneros y sacando una especie de dance-hop. En 2006 edita en esta discográfica su segundo trabajo, Lucky Boy, donde junta su bagaje del hip-hop con la electrónica. Él ha autodenominado a su estilo “breakdance del futuro” y con él, sus remixes y sesiones se ha convertido en una de las figuras más relevantes de la escena musical francesa.
Otro de los pesos pesados de Ed Banger, con 25 años y 4 en activo. Su último disco, publicado a finales de 2008, ha juntado todos los remixes que le han lanzado a la fama y que lo han hecho favorito de artistas del gremio como Daft Punk, o permitido remezclar a otros tan dispares como Rage Against The Machine. Sus tres LP, el primero de 2005, Smoking Kills, después Ross Ross Ross y Motor, nos meten en un electro sucísimo y enfermizo en su distorsión y síncope. Ha ido perfeccionando su mala leche sonora y atrevimiento hasta conseguir temas como Motor, no apto para quienes no lo hayan escuchado nunca, ni oídos sensibles en general. Un remix del tema Testarrosa Autodrive de Kavinsky ha llegado a aparecer en la banda sonora del GTA IV.
Estos últimos cuatro son los menos conocidos, relativamente, y todos tienen únicamente singles y EP’s, pero su aportación esta ahí, no sólo en lo musical, también en diseños y vídeos relacionados con Ed Banger. La mejor manera de escucharlos es con los recopilatorios Ed Rec (Vol. 1, 2 y 3), donde también están los temas más conocidos de los anteriores, todos con un estilo, lógicamente, similar, en torno al electro.
Sin duda, los más conocidos y el mayor descubrimiento de Pedro Winter. Su remix de Simian, We Are Your Friends (en 2004), fue uno de los temas más escuchados en innumerables pistas y en pocos años pasó a ser cliché del Dj moderno. Vistos rápidamente por Busy P, publicó su primer EP, Waters of Nazareth, donde se mostraba un electro distorsionado en límites y con una evidente influencia rock de un jebismo variable. Gaspard Augé y Xavier de Rosnay combinan una estética y actitud de rock clásica con las moderneces francesas, reasignan su símbolo de la cruz luminosa y, por mezclar, derivan su estilo a temas más suaves y dance que ya adelantaban en sus EP, comoD.A.N.C.E., y confirman en su álbum †, de 2007, con otros como DVNO. La popularidad que alcanzan con ellos es aún mayor y no tardan en aparecer las voces que confunden la sobrevaloración con la sobreescucha.
Es en sus directos donde marcan la diferencia y se alejan del resto de artistas electro, abandonando los rastros suaves de sus canciones y forzando la parte más contundente hasta llegar a un remix de Metálica; usan We Are Your Friends más como himno que como hit y dejan el espacio justo para el trasfondo bailable. Sus actuaciones está más cerca del concierto heavy que de la sesión electrónica, su actitud es la propia de un tópico rockero antes que la de un Dj empastillado. Pero si este espíritu se podía haber difuminado por algunos de los temas del álbum, vuelven a retomar esa atmósfera casi apocalítpica y de órgano religioso en su temade 14 minutos Planisphère, compuesto para un evento de Dior Homme, y que fue dividido en cuatro partes más una para su lanzamiento formal. Aún así, y con tan sólo †, singles y varios remixes en su haber, en 2008 lanzan un CD+DVD, A Cross the Universe, que contiene además de un directo, un documental de 60 minutos sobre su tour por los Estados Unidos de América. En él podemos ver todo el fenómeno que levanta Justice y, por extensión, el resto de Ed Banger, no ya en Europa, sino cruzando el Atlántico.
Partiendo del visionado de la película Waking Life, de Richard Linklater, surge esta triple entrada, donde hay tanto crítica cinematográfica, algo de divagación personal y una introducción al sueño lúcido.
Waking Life y las vías independientes.
Richard Linklater es un director surgido del cine independiente americano cuyas películas más conocidas son, probablemente, Antes del amanecer y Antes del atardecer, y también Escuela de rock. Pero estas películas está bastante alejadas de otros proyectos que ha realizado, el más reciente y accesible A Scanner Darkly, el más atrevido Waking Life. Poco tienen que ver estas dos últimas con las otras películas mencionadas, y estas últimas sólo tienen aparentes similitudes entre ellas.
La más obvia relación es el uso de la rotoscopia en ambas películas. La técnica consiste en rodar, con menos preocupaciones técnicas, la imagen real con actores y escenarios. Después se parte de esos fotogramas para “pintar” encima de ellos mediante un estilo de dibujo vectorial. Fotograma a fotograma, se consigue juntar la manipulación del dibujo con la fluidez y expresividad que se consigue al partir de un material grabado con cámara, imposible de imitar partiendo de cero. No hace falta comentar el trabajo demencial que supone. El efecto que logra es muy estético y llamativo por una parte; por otra consigue que la misma y aparente realidad vaya cambiando de forma continuamente y nunca se consiga discernir un mundo coherente. En A Scanner Darkly, la variación de estilo en el dibujo resulta escasa y persigue una aproximación más realista y detallada del mundo recreado, pero mantiene ese aura abstracta y confusa que produce la rotoscopia. En Waking Life, en cambio, la variación es continua, impredecible e hipnótica.
La misma opción estética en ambas películas persigue un mismo objetivo: la plasmación del sueño. En las dos es el hilo conductor de toda la película. La alucinación o la ensoñación, las apariencias y la incertidumbre sobre lo tangible del mundo. Pero a pesar de seguir unos temas similares, las soluciones adoptadas se quedan en ese uso de la rotoscopia y en unas palabras descriptivas para la sinopsis. Mientras A Scanner Darkly, a pesar de lo confuso voluntario, sigue una estructura narrativa relativamente clásica (al fin y al cabo, es una adaptación de un relato de Philip K. Dick) que deja suficiente espacio a la reflexión. Waking Life, en cambio, se encuentra, dicho vulgarmente, entre un Pinto y Valdemoro, oscilante y dubitativo.
La introducción de la película puede dar la sensación de que exista un hilo narrativo, pero la frase “El sueño es destino” debe ser lo único considerado, porque ese destino es lo único que va a conducir la película. ¿Existe en realidad un retazo de una historia? Sí, la casuística cinematrográfica tiene un espacio anecdótico que sirve más como contento y placebo que como justificación de la obra. Realmente, decir que el chaval está muerto es revelar una parte del argumento realmente difusa e indeterminada que poco estropea la experiencia que quiere ofrecer la película, o incluso facilita el primer visionado.
Tras el destripe del relato, ¿de qué trata Waking Life? Como sinopsis, de las experiencias de un joven protagonista anónimo que se encuentra encerrado en un sueño lúcido del que no es capaz despertarse o discernirlo. ¿Qué es Waking Life realmente? Ese es el problema de la “película”. Por una parte está el relato descrito, pero cuya existencia es casi un pretexto. Por otra la experimentación con la técnica de la rotoscopia, tanto como vehículo del mensaje, como experiencia estética. Por último está el panfletazo filosófico que nos lanza sin escrúpulos. Esas tres partes, subdivisibles, no conforman Waking Life, sino que están embutidas en ese cajón no incoherente, pero sí apañado con tosca cinta de embalaje frente al hilado de un telar uniforme. Ahora, todos los componentes del cajón son de primerísima calidad. Pero es eso, un cajón, no una película.
La estructura al comienzo es desconcertante, por no decir descarada. El prólogo da la impresión de ofrecer una historia, eso sí, abstracta y muy difusa. Las escenas siguientes parecen seguir esa corriente opaca. Pero en un momento todo pasa a ser un conjunto de fragmentos levemente justificados por ese argumento que se pierde y no recupera hasta el tramo final. No se puede señalar como fallo, pues en uno de esos fragmentos, la película muestra consciencia de su propia estructura a través de un monólogo del protagonista. Sólo algunas de esas pequeñas escenas hacen comprender de manera ligeramente racional qué es lo que le está pasando. Pero eso es algo que en cierto punto resulta innecesario pues el bagaje filosófico es tal que pasa a tener todo el protagonismo y deja al joven como mero conductor cuya historia resulta un marco definitorio.
Cada escena es una propuesta filosófica sobre maneras de ver el mundo que nos rodea. Su explicación utiliza tanto el diálogo platónico, el postulado, el debate conducido, el magisterio, la cita documental o la anécdota. La retórica empleada rara vez se presta a la confusión y la exposición de las ideas es generalmente clara, siempre y cuando el espectador tenga un mínimo de atención. La abstracción es variable y los aspectos que trata son amplios: el enfoque vital, la lucidez relativa, el antropocentrismo perceptivo, la potencia y la acción, el cine, el arte, la historia, la vida, la sociedad, etc. Unos son de planteamiento rápido, otros se distienden y bifurcan. Las ideas que plantea resultan, en mi caso, familiares; más que como revelación, los ensayos se me presentan como recordatorios levemente esclarecedores de concepciones ya conocidas o comprendidas. En uno de los fragmentos, que comienza como diálogo constructivo, el protagonista explica esa misma sensación de ideas interiores exteriorizadas y recomprendidas a través de externos. Conque, lo que se podía acusar como fallo por pretensión, resulta ser presentación justificada.
Aunque las ideas y citas explayadas durante el largometraje sean realmente interesantes, constructivas y den pie a la reflexión personal; su diversidad temática y su transparente intencionalidad ensayística hacen que todo el planteamiento resulte excesivamente fragmentario y una concepción global sea evadida a través de retazos conceptuales. El argumento que podría dar una sensación, aunque falsa, de coherencia es apartado a un lado por la densidad de exposiciones autosuficientes, y acaba en un fragmento filosófico intercalado más que como eje de los planteamientos. Aunque sí se puede considerar como acierto la existencia de un protagonista anónimo como alter ego del espectador en el viaje subconsciente a través de la inquietudes existenciales del ser humano; una montura a través de ensayos introductorios que no desmerecen como eso, introducción al pensamiento de filósofos o generadores de inquietudes constructivas. Pero, citando a la propia película: “No está peor que nosotros. Él actúa. Nosotros somos pura teoría y nada de acción” Por lo divulgativo y disociado de la exposición esta se queda en fría teoría, y sólo por predisposición del espectador puede alcanzar lo activo.
Por último destacar la parte visual y sonora de la película. El aspecto del dibujo es de un estilo muy diverso, desde la persecución fotorrealista a la abstracción o simpleza de una pintura mediaval. Cada fragmento suele tener un estilo diferente a los otros, pero es difícil distinguir, en la lluvia de palabras que acompañan, si ese estilo sirve a la narración o idea planteada o es mero capricho estético. En unos la relación es obvia, en otros inexistente. Junto con el relato se producen también efectos sólo posibles por el dibujo, como transformaciones o movimientos de figuras o sobreimpresiones abstractas que cumplen tanto como curiosidad como de difícil unión entre palabra e imagen. La música sigue ese estilo deslabazado en la melodía, pero bello en sonido, con una función a veces transitoria, otras veces dramática y otras como protagonista. Todo la estética de la película es disfrutable como imagen artística, además de como curiosidad inicial, a la vez que es bien combinada con la música. Pero la unión entre discruso e imagen aparenta escasa en muchos momentos y parece que van por caminos separados que se entrecruzan esporádicamente, más que ser carriles de una misma vía.
Waking Life es un punto intermedio entre el ensayo divulgativo, el experimento artístico-técnico y la narrativa surrealista; pero un punto inconcreto, que el largometraje no consigue definir, pero que dirige bien a través de esas vías independientes, cada una con un paisaje de belleza autónoma. La “película”, lo que hace, lo hace ejemplarmente; el problema es definir qué es lo que hace. Es difícil valorar algo cuyo ámbito es tan diverso como los temas que trata y que, por comparación pocas obras se le pueden equiparar. Está en una independencia expositiva pero dependiente de todo lo expuesto, que es donde se le puede sacar el fallo.
Pero, visto el mundo contemporáneo, su fugacidad, lo anecdótico, su fragmentación, y su efectividad de la estética; probablemente, Waking Life sea exactamente lo que corresponde a este tiempo:el mensaje consciente de dónde y cuándo va a ser recibido y que expone en consecuencia una serie de ideas que van bastante más allá de lo que puede abarcar, pero que no se acobarda en ofrecerlas como panfleto bien expuesto y que quien sea suficientemente inquieto se dedique a profundizar en sus referencias, conque cumple y hace más que muchos otros, y además con arte.
Feedback post-visionado sin reflexión ni organización previa.
Tras haber recibido todo el golpe filosófico de Waking Life, una reflexión directa, relativamente breve y sin pretensión de profundidad alrededor de las múltiples divagaciones que nos ofrece. Como contraste de ideas a quien ya la haya visto, como exposición y resumen a quien todavía no.
El propio título de la película evoca el despertar sobre la vida diaria y rutinaria, o bien el sueño continuo en que nos encontramos. La mayor lucidez alcanzada por el protagonista en su vida se produce en un sueño. Entre la maraña de teorías, se puede establecer un factor común que es la huida del conformismo contemporáneo, la defensa de la lucha contra el ensimismamiento y apatía crónicos de la sociedad. Más tajante o menos sea el portavoz. La individualidad a través de anécdotas personales son puntos entre toda la visión colectiva del sueño. Una de las voces, una chica joven, quiere dejar de ser una hormiga que evita cruzarse con las demás en un itinerario rutinario, buscar pausas en él, o eliminarlo, y encontrarse en momentos humanos reales. Esos momentos, la verdadera comunicación entre personas, no limitada a una supervivencia y manutención del engranaje colectivo industrial. La verdadera evolución es la superación de la retroactividad y respuesta determinista en la sociedad mecánica, la verdadera expresión artística, científica o filosófica. De las acciones (y sus consecuencias) que tienen su origen en inquietudes individuales se consigue la evolución de la sociedad, y no de una necesidad colectiva externa – alienada que la empuje.
La acción es una responsabilidad individual, que ante el miedo que origina se busca la escusa en el condicionamiento social y se plasma en la desesperación modernista. El existencialismo, la angustia en la decisión y responsabilidad del acto humano, individual, es objeto de discusión; pero la responsabilidad de nuestros actos es nuestra, y nuestra la actitud ante el mundo humano: dejarse llevar, salirse del cauce, fallar en la contracorriente, disfrutar del viaje, o refunfuñar de continuo. El colectivo, formado por individualidades, son una serie de acciones con otra serie de consecuencias. Estas consecuencias pueden dar la falsa impresión de un determinismo mediante la limitación de nuestra capacidad de acción, pero esa privación es una responsabilidad colectiva ocasionada por sus individuos, y de la que ellos mismos deben responsabilizarse. Hay quienes lo hacen, hay quienes se dejan llevar por el peso de la acción-reacción social, y hay otros que teorizan, pero quedan en la potencia, sin pasar a la acción.
Como colectivo, la humanidad da señas de tener una consciencia, asimismo, colectiva, donde el conocimiento puede ser desintencionadamente compartido. Nuestra imagen es un modelo mental que no se corresponde con el percibido por el resto. El mundo es, también, un modelo mental con infinitos aspectos discernibles, cuya imagen es variable en cada individuo y grupo social; la realidad es la mayor correspondencia y coincidencia entre percepciones. El lenguaje es una manera de ponerlas en común, pero limitativo del pensamiento, a la vez que su engranaje para nuestra comprensión. Creado por la sociedad, y principal motor que la hace avanzar, es la materialización intangible de la mente. Una mente colectiva e individual, objetiva y subjetiva, que evoluciona hacia un punto común.
Ante la responsabilidad de nuestros actos, la angustia puede dejarnos caer en la mecánica conformista. Pero la desesperación, furia incontrolada o el sinsentido no son las opciones a considerar para salir de ella. Pero sí la inquietud, del campo que sea. La consciencia, a pesar de la limitación del silencio. La lucha, aunque sea sólo teoría. La revolución, pero que sea hacia delante. El placer de vivir, casi el hedonismo. Entender la vivido, y esto como verdadera vivencia. El sueño. Y este último, como creación única de la mente, es igual de válido que la observación de la aparente realidad, pues esta es observada desde un precepto mental, formado tanto por uno mismo como por la consciencia colectiva, la comunicada o la etérea. La comprensión de un mundo percibido por nuestra mente a través de uno creado íntegramente por ella misma, no es sólo una opción, sino una necesidad que parece no querer cubrirse actualmente por el exceso de la pragmática física.
El antropocentrismo no es una corriente de pensamiento discutible, sino la asunción de la responsabilidad del individuo en el colectivo y del colectivo mismo, a la vez reconoce que entiende a través de él mismo, y que relegar a un agente externo (sociedad, Dios o destino) esa responsabilidad y capacidad de conocimiento y evolución, es cobardía. El antropocentrismo es algo inherente al ser humano, pero el avance no se produce únicamente por la búsqueda de su situación en la realidad, sino por la colocación de ésta en su mente, cuya observación es igualmente constructiva y válida.
Cayendo en la efectiva vulgaridad: el ser humano no es que tenga la opción de meter la cabeza en el culo, es que nace con la cabeza metida en él, y a través de él tiene que comprender el mundo, pues no se comprende por sí solo; pero el hombre sí se puede comprender a sí mismo y, con él, el mundo.
El sueño lúcido y el aspirante a onironauta.
Para definir el sueño lúcido, además de recurrir al siempre útil artículo de la Wikipedia, es más procedente utilizar un fragmento de la película que da pie a este artículo, que se explica mejor de lo que yo haría intentando explayarme:
Tras el vídeo, las posibilidades que uno empieza a contemplar si llega a controlar un sueño lúcido son más que atrayentes. Todos hemos tenido sueños que recordamos con intensidad nada más levantarnos, y duran en nuestra memoria una cantidad variable. Pero ese recuerdo es muy diferente del sueño lúcido, pues la consciencia de estar soñando es posterior al sueño mismo. En el sueño lúcido eres consciente de estar soñando en el propio sueño, conque percibes un mundo imaginario con la misma intensidad, incluso mayor, con que percibes el real. El dominio de la técnica no solo permite inducir esa consciencia, sino manejar el sueño a nuestro antojo. Waking Life propone uno involuntario en donde el protagonista comprende dudas existenciales mejor de lo que habría hecho en el mundo externo. Plantéense un momento qué podrían conseguir y buscar a través de ellos si los dominaran.
Pero el deseo de tener un sueño lúcido es totalmente insuficiente para llegar a tenerlos. Según se ha observado, existe cierta predisposición en las personas introvertidas y con abundante imaginación, pero eso no es más que una pequeña ventaja para iniciarse en el dominio de la técnica. Los sueños lúcidos accidentales son relativamente extraños, y desde luego mucho menos comunes que los falsos despertares. Uno de estos últimos me ocurrió; resulta a la vez perturbador y excitante. Consiste, generalmente, en que sueñas que te despiertas. En mi caso, el reloj tenía horas demencialmente diferentes cuando me despertaba, hacia atrás, obviamente, sino sería normal. Hablo de “despertarme” a las 10 de la mañana y volver a hacerlo a las 5 de la madrugada, en ese orden. En la película el protagonista tiene experiencias similares reiteradamente, y los relojes nunca muestran la hora. Cuando uno se da cuenta de que ese despertar es un sueño, entra en el sueño lúcido; si no se hace, existe el peligro de que se repitan sucesivamente, en ese caso se entra en la pesadilla. Así que si les ocurre, aprovechen.
Cuanto más domine uno la inducción del sueño lúcido, más capacidad tendrá para manejar su sueño a su antojo. Mayor duración, y mayores mundos posibles. Una de las mayores tentaciones que a uno se le pueden ocurrir tenga que ver, probablemente, con el sexo. Es posible, pero se trata de una de las cosas más difíciles de manejar sin despertarse del sueño involuntariamente. Las técnicas para empezar son varias, pero antes de nada: paciencia. Citaré a un usuario de un foro, con seudónimo 86 Maxwell Smart:
Buena parte del tiempo lo paso volando. Es de lo mejor que se puede hacer en el sueño lúcido porque las sensaciones corporales se vuelven muy intensas y cuanto más involucrado te encuentras con tu cuerpo onírico más facil resulta conservar la lucidez (porque se pierde). Sin embargo no conviene excitarse demasiado porque puede precipitar un despertar indeseado. Por eso el sexo conviene mantenerlo al nivel de mero jugueteo erótico. Pero lo que más me gusta es visitar lugares maravillososo e imposibles. Es muy distinto al viaje psicodélico, porque no experimentas las sensaciones somáticas de los enteógenos. Sin embargo el nivel de detalle de los fenómenos puede ser incluso mayor que en la experiencia de vigilia. En ese sentido sí se parece al viaje psicodélico. De hecho este aspecto del sueño lúcido es el que más me impresiona y ha cambiado mi forma de ver el mundo. Comprobar que la realidad del sueño es tan detallada, nítida y consistente como la de la vigilia, cuando no más, para mí supone la experiencia directa de una expresión de Schopenhauer que antes solo podía considerar de forma abstracta: “El mundo es mi representación”. Estoy repasando la historia de la fenomenología desde una perpectiva muy diferente a la que pude tener cuando la estudié por primera vez.
Si tras esto no le entra curiosidad por experimentarlo, deje de leer. Si no, el libro de Stephen LaBerge “Explorando el mundo de los sueños lúcidos”, es un recurso más que recomendable para iniciarse. Si quiere comenzar hoy mismo, coja una libreta y empiece a apuntar los sueños que tenga cada noche o, al menos, procurar recordarlos y memorizarlos como primera actividad de la mañana; este es el primer paso, y el más básico.
Se puede forzar el sueño lúcido a través de pastillas, pero prescindo de detallar cantidades y fármacos, pues lo veo mal comienzo. Lo que sí es más adecuado, aunque su efectividad sea dudosa y actúe más como placebo o sugestión, se puede recurrir a los sonidos biaurales mientras se duerme; aquí el archivo de audio a escuchar, por auriculares, no altavoces.
Extenderme sobre las técnicas principales para inducir el sueño lúcido es innecesario, pues en la red haynumerosaspáginas que tratan sobre ellos, y también el libro que he mencionado. Esta entrada es de carácter introductorio, y vuelvo a citar a la película que la impulsó y me hizo considerarla necesaria por este motivo:
Este mes se cumplen 20 años de la creación del Internet primitivo en las instalaciones del CERN. La World Wide Web tuvo como origen la necesidad de comunicarse entre los científicos que investigaban en la instalación, para facilitar el intercambio de descubrimientos y acelerar el avance científico. En 1989 el CERN pasó a ser el nodo de Internet más grande en el momento. Tim Berners-Lee, junto con Robert Caillau, fue quien propuso el sistema a los directivos del centro. Estos aceptaron y le dejaron seguir adelante. El resultado fue el embrión de la Web en dos ordenadores de Ginebra sobre finales de 2009.
Los rasgos básicos y fundacionales fueron planteados desde el comienzo por Berners-Lee. La Web tal y como la conocemos surgió de unas bases planteadas por él hace 20 años. El código HTML, basado en el hipertexto (enlaces entre los documentos); el protocolo HTTP, y el sistema de localizar páginas y objetos: el URL.
Un invento que surgió para cubrir las necesidades científicas evolucionó a un paso que ni el propio Berners-Lee podría esperarse, y observa cómo su pequeña innovación para cubrir una necesidad, pasa a ser un mundo virtual aparte donde ya no sólo se intercambia información y conocimiento:
No es una red simplemente de webs, sino también de personas, con interesantes propiedades matemáticas, sociológicas, económicas, etcétera. Un sistema enorme con relaciones de interactividad.
Tras todo el avance que ha conseguido desencadenar Berners-Lee ha seguido el crecimiento de la Web, ofreciendo el punto de vista de cuál es el camino que debería seguir, y que con motivo del 20 aniversario de la Web puede ofrecer en las numerosas conferencias que tiene que recorrer. Una de ellas, la celebración en la cuna de la Red, el CERN, el pasado 13 de marzo. Entre todos los mensajes con que pueden guiar, uno recurrente pero que siempre debe ser considerado:
“Siempre habrá tentaciones por parte de los poderes existentes de alterar la forma en la que accedemos a la información. Es muy importante que el público y la prensa no permitan que esto suceda. Una web neutral debe entenderse como la necesidad de agua potable en un país”.
Lo que Tim Berners-Lee investiga en la actualidad, a la vez que observa y aconseja como puede sobre el masivo crecimiento de la red, es el siguiente paso de la Web: la Web semántica. Su objetivo ahora es superar la representación del contenido en el navegador, para poder pasar a la descripción del mismo mediante datos ontológicos y metadatos semánticos. Se supera la red de contenido que tiene que gestionar el ser humano, para que esta pase a ser una Web de datos que se pueda organizar y evaluar automáticamente por la máquina. La intermediación humana pasa a ser menor gracias a una base de datos enorme que pueda organizarse a sí misma. Así es cómo el padre de Internet quiere que sea su hijo: un adulto independiente.
Los días 12 y 13 de marzo se celebró en Huesca el X Congreso Nacional de Periodismo Digital. Durante todos los debates, ponencias y presentaciones se han tratado tanto temas de actualidad obvios como la crisis, como se ha elucubrado sobre el futuro del periodismo en la red y de Internet en general. La numerosa asistencia de esta edición no ha decepcionado a los organizadores del evento, que esta vez también han dado la posibilidad de asistir a un debate a través de medios nacionales por Internet.
Las opiniones vertidas entre todos los debates son numerosas, pero el cierre de Nacho Escolar, ex-director de Público, dejó un mensaje claro respecto al futuro más cercano de este nuevo periodismo:
«[El periodismo digital] saldrá fortalecido con esta crisis, pues va a acelerar la división entre lo analógico y lo digital, en beneficio de este último»
Una de las diferencias fue remarcada por James Breiner, director del Centro de Periodismo Digital de Guadalajara en México: «Los periodistas hemos sido arrogantes, pero los nuevos medios nos enseñan a ser humildes». En el debate “Internet, política y periodismo”, en que participaban Leire Pajín y Soraya Sáenz de Santamaría, también se mostró una idea parecida al proponer que las posibilidades de incorporar el debate político que sostenido en la red como medio de participación del ciudadano en la agenda política.
El usuario es lógico protagonista de muchas de las conclusiones sacadas, en parte por la importancia de las redes sociales, pero también por la relación que se establece con el nuevo periodista. Esta brecha generacional, la nueva formación de los jóvenes que se quieren dedicar a esta profesión ha sido uno de los aspectos más tratados. La importancia de hacer participar al lector, de escuchar a estos nuevos reporteros ciudadanos, pero también de que esa atención sea respondida con un estilo periodístico, con análisis y profundidad. Los catastrofismos de desaparición de medios se han dejado aparte para ser conscientes de la especialización que debe afrontar realmente la nueva generación de periodistas.
Una de las opiniones ofrecidas por el periodista David Beriain en su ponencia defiende el futuro de este periodismo digital, pues para el, la profesión está lejos de pervertirse o desaparecer, pues demostró que “maximizando las posibilidades de las nuevas tecnologías y minimizando costes pueden escribirse algunas de las páginas más brillantes del periodismo de hoy.” Aunque se le debe incluir el comentario de Nacho Escolar:
«Hay que saber subirse en la ola para poder navegar»
El pasado jueves 6 de marzo, con motivo del quinto festival de Ellas Crean en Madrid, Russian Red actuó en el Círculo de Bellas Artes de Madrid. Esta chica, Lourdes Hernández, es uno de los pelotazos musicales del año pasado y con un rebufo largo para el que viene; con una popularidad que fue creciendo de un modo exponencial, desde un selecto concierto en un pequeño piso, formato Live in the Living, a recorrer todo festival indie español y actuaciones continuas y solicitadas con aforo completo. El reventón de éxito quizás se pueda fijar en el anuncio de Häagen-Dazs, con su canción Nice Thick Feathers, que, a quienes no la conocían, hicieron preguntarse de quién era, llegando así más allá del círculo indie español y abarcando una variedad de público considerable.
Ese éxito hace que, probablemente, ella sea uno de los nombres más reconocibles, para la mayoría, en este conjunto de eventos alrededor de el Día internacional de las Mujeres. Pero la popularidad creciente es algo casi contrapuesto a la intimidad y honestidad del estilo musical de Russian Red. El concierto al que asistí no hizo sino confirmar esa extraña contrariedad a la vez que reafirmar la capacidad y potencial de esta chica.
Acompañada de los otros dos miembros, Manuel y Charly, voz y guitarra; ukelele, teclado y xilófono (y etc.). La actuación fue previsiblemente corta, pero de un ensimismamiento y extraño embrujo que dejaban una distensión y disfrute en lo breve sin lugar para el difícil y caprichoso reproche.
Lo sensual y sensible a la vez de las canciones de Russian era acompañado por una acústica que dejó a Lourdes cautivar como lo hace, más allá de que algunos sólo mostraran un despierto entusiasmo ante Cigarettes. El aforo justo sólo dejaba algún murmullo esporádico al fondo que la música conseguía, menos mal, solapar.
La intimidad del escenario estaba pareja a la que se transmitía en toda la actuación. La poca elevación de la plataforma y la escasa distancia a la que se había colocado la primera fila dejaba una sensación de cercanía tanto física como musical. Esto acentuado por la ternura y sencillez humilde de Lourdes que lleva la atmósfera casi a lo familiar o amistoso.
Quizás esto último sea delirio personal, pues, como anécdota inmediatamente previa al concierto, de espera en un Starbuck’s cercano al Bellas Artes, en una mesa contigua estaban unas pocas chicas que, para mi posterior y controlado asombro, resultaron ser amigas de Lourdes, que vino a la cafetería. Poco antes del concierto habría quedado con ellas allí y, por lo absurdo de la coincidencia y el entusiasmo paralelo que provoca, el embobamiento aumentó la predisposición favorable y entusiasta, que ya era grande, con que iba a la actuación. Al poco, desde la calle, otros amigos le recordaron la necesidad de puntualidad para el inminente concierto y se tuvo que despedir. En un momento salimos mis amigos y yo, casi a distancia de KGB de Lourdes, pues aún así buscábamos primera fila, y habría cola. Hay foto como prueba, pero no procede.
Aún así, bastante parte del público también se quedó ensimismado ante un concierto que alcanza difíciles sensaciones y ambiente, como cuando ella toca el xilófono y empieza con una serie de extraños movimientos y flexiones de voz. Aunque eso es sólo una parte de la recomendable experiencia.
Quien todavía no haya podido asistir a un concierto de Russian Red, en este enlace a Last.fm están las próximas actuaciones por España. Si todavía no la ha escuchado, entre en su MySpace, que es lo que le dio el empuje inicial, y después el disco, como prefiera, pero ya es hora. Más fotos del concierto en este álbum de Flickr que he creado, donde aún faltan algunas, por la cuota.
Cultura de consumo, general, para entretener, y consciente de su uso; con consecuente tratamiento seco, rápido y ligeramente sarcástico, con pretensiones escasas y de profundidad relativa. Un suplemento modernillo consciente de su tontuna.
Las reflexiones de Repronto pueden discutirse, como reflexiones personales que son, pero a pesar de la discrepancia que surja, sigue siendo un placer escuchar un discurso construido de una manera que pocas veces podemos ver en Internet, y que lo colocan como uno de los blogs más interesantes y relevantes de la red hispana. El formato simple es aprovechado al máximo y las conexiones entre texto e imagen se realizan con la misma sencillez genial. Pero el discurso, a pesar de lo accesible tanto por capacidad oratoria de Repronto como por construcción ejemplar, está lejos de la simpleza y los argumentos se suceden unos a otros con tal fluidez pero imprevisibilidad que sospechas de esas uniones pero, al final, deja una conclusión que, por lo ingenioso y bien justificado, no se puede negar sin verse intimidado e incapaz de devolver equiparable exposición.
Braid es probablemente el único videojuego cuya historia contiene verdadera complejidad y que ha prescindido de hacer un burdo y lamentable intento historia hollywoodiense. Aunque hay juegos que tienen una historia realmente admirable, bien por su simpleza, belleza o integración con la experiencia de juego, Braid es el que ha ido más allá. Desvelar la verdadera historia sería, en este caso, un fallo garrafal, y se está obligado a hablar de algo que no parece tan significativo hasta el final mismo, algo de reflexión personal, y una maduración del recuerdo. Pero siendo breves, ésta no sólo sorprende, conmueve, deja que pensar y está bien narrada; es que es inherente a la propia jugabilidad y a través de ella se explica, y viceversa, pasando a formar parte de un mismo mensaje; por fin. Muchas veces se habla, generalmente por gente de otras partes que van al dinero, de los videojuegos destacando su interactividad con la historia y que cada jugador obtiene experiencias diferentes; esta idea ha dado una cantidad de tonterías y despropósitos innumerable, pero, eso sí, entretenidos (que no siempre). Pero, pensando un poco y viendo la absoluta mayoría de juegos con intención de historia, cada cosa va por su lado y ni hay experiencias ni hay relato, hay cinemática y mecánica, pero siquiera motivación, enlazo a este 
Otro de los pesos pesados de Ed Banger, con 25 años y 4 en activo. Su último disco, publicado a finales de 2008, ha juntado todos los remixes que le han lanzado a la fama y que lo han hecho favorito de artistas del gremio como Daft Punk, o permitido remezclar a otros tan dispares como Rage Against The Machine. Sus tres LP, el primero de 2005, Smoking Kills, después Ross Ross Ross y Motor, nos meten en un electro sucísimo y enfermizo en su distorsión y síncope. Ha ido perfeccionando su mala leche sonora y atrevimiento hasta conseguir temas como Motor, no apto para quienes no lo hayan escuchado nunca, ni oídos sensibles en general. Un remix del tema 
Richard Linklater
Este mes se cumplen 20 años de la creación del Internet primitivo en las instalaciones del CERN. La World Wide Web tuvo como origen la necesidad de comunicarse entre los científicos que investigaban en la instalación, para facilitar el intercambio de descubrimientos y acelerar el avance científico. En 1989 el CERN pasó a ser el nodo de Internet más grande en el momento. Tim Berners-Lee, junto con Robert Caillau, fue quien propuso el sistema a los directivos del centro. Estos aceptaron y le dejaron seguir adelante. El resultado fue el embrión de la Web en dos ordenadores de Ginebra sobre finales de 2009.
